Ronnie James Dio

Cuesta hacerse a la idea de que Dio haya fallecido. Sobre todo cuando hace tan sólo un par de semanas que Heaven & Hell estaban en el cartel del Sonisphere, con una gira mundial en ciernes, algo que no deja de impresionarme, y que dice mucho de cómo era el carácter de Dio: positivo y luchador por naturaleza; a la mínima que se lo hubieran permitido, se hubiera embarcado en la gira mundial, y sólo la canceló cuando no hubo más remedio. Hacía tiempo que se sabía lo de su cáncer, pero realmente la última de mis ideas es que pudiese fallecer.

El hermosísimo tema "Catch the rainbow", del primer álbum de la trilogía que Rainbow grabarían con Dio como cantante.

Ví a Dio en directo hace años en una sóla ocasión (en video cientos de veces), y siempre me impresionó la presencia escénica y el torrente natural de voz de ese hombre bajito (1,60 mt), que parecía inundar el escenario el solito sin el menor esfuerzo aparente. Muy pocos cantantes consiguen transmitir ese dramatismo y esa pasión en escena, y mantener ese torrente de voz sin la menor mella a lo largo de los años (de hecho, creo que Dio últimamente estaba cantando mejor que nunca) Desde que se reunió a la formación de los Black Sabbath de la era Dio y sacaron ese tremendo discazo llamado "The Devil you Know", el cual me compré en edición de doble vinilo de 180 grs como corresponde a un disco de dimensiones épicas como ese, y para que hiciera compañía al resto de mis vinilos de Rainbow, Sabbath y Dio, mi ilusión era ver a ese pedazo de leyendas que son Tony Iommi, Dio, Buttler & co., interpretar ese repertorio de ensueño que estaban paseando por medio mundo, la verdad es que era uno de mis conciertos más ansiados, ya me imaginaba en las primeras filas vociferando como un poseso los primeros acordes del tema "Heaven & hell". Muy lejos de ser autocomplacientes y publicar un disco mediocre como lo hacen la mayoría de iconos del rock que viven de su leyenda, el disco de Heaven & Hell fue puro aire fresco en la escena actual, y se convirtió en un clásico desde que salió a la calle.

Dio no era una Rockstar al uso. Si leías o veías sus entrevistas, y yo ví y leí docenas de ellas a lo largo de los años, veías como era un tipo muy sencillo, humilde y amable. Nada de ínfulas, y eso que hablamos de un tío que grabó los mejores discos de Rainbow, que le devolvió la vida a Black Sabbath, y que entre sus discos en solitario y con otras formaciones, tiene al menos nueve trabajos que son obras maestras imprescindibles del rock. Incluso si ves sus últimas apariciones en público , lo puedes ver repleto de positividad y hablando fascinado de sus nuevos proyectos y de un futuro nuevo disco de Heaven & Hell. Tampoco fue un abanderado del "Sex drugs & Rock & Roll", de la filosofía de fiesta y drogas del rock, sino que más bien se hizo una fama de tío enormemente profesional y entregado a su música. Es recordado lo que pasó en el festival Metalway, donde Heaven and Hell, estrellas de la noche tuvieron que cancelar su concierto por una indisposición de Iommi, y fue Dio quien salió a disculparse, con su escuálida figura hincó la rodilla ante el público, pidió perdón y entonó a capella un fragmento del mítico tema "Heaven & Hell".

Entre los homenajes que he leído, el que más me ha gustado es el de Rachel Arieff en el blog del Popu, Inmigrant song, porque sabe sacar algo positivo de una cosa tan trágica como es la muerte, y ese hubiera sido sin duda el estilo de Dio. Como está en inglés, me voy a tomar la libertad de transcribirlo, esperando que no le moleste a la autora, porque merece la pena:

Black Sabbath con Dio al frente, bajo el nombre de Heaven & Hell, tocando el mítico tema que dio nombre a esta reunión, y demostrando por qué eran leyendas vivas y en activo. Los pelos como escarpias.

"La gente buena es gente feliz. La gente feliz hace sentir bien a otra gente. Hacen bien en el mundo sólo siendo ellos mismos y permaneciendo felices...porque contagian su felicidad a todo lo que tocan. (...)Una de las cosas que hacían especial a Ronnie James Dio es que parecía genuinamente feliz como persona. Muchos Rockstars (...) están muy lejos de ser personas felices. Todo su dinero y fama no pueden arreglar lo que sea que esté roto en su vida: su inseguridad, sus malas relaciones, sus cicatrices emocionales de su infancia. Su confusión acerca de quién realmente son. Odio mencionar a Axl aquí, pero, ya sabéis... Esa es la razón de que Dio fuera un soplo de aire fresco. Incluso en sus actuaciones, podéis ver el tipo de persona con los pies en la tierra que era. Su generosa esencia brillaba a través de su personaje de Rockstar. Sólo parecía tu tipo normal, el amigo de todos, nunca pretencioso, nunca en una pose, a pesar de sus extraordinarias habilidades. Una verdadera estrella sabe que es especial, y no tiene la necesidad de pretenderlo.

Observarlo me hace pensar que si no se hubiera metido en el Rock n' Roll, hubiera sido grande en otro campo. Lo imagino regentando un restaurante y haciendo a todo el mundo sentirse realmente, realmente bienvenido. El simplemente daba esa vibración genuina de bienvenida. Nunca tuve la oportunidad de decir "Hola" a Ronnie James Dio. Pero siento como si el siempre me dijera "Hola" a mí, y por eso quizá lo echamos ya tanto de menos." Más tarde le contesta a otro fan desolado que recuerde que "Dio amaba ser Dio, amaba su vida, es evidente".

Este texto es un buen ejemplo de cómo se puede escribir sobre la muerte y decir algo positivo, me parece que el espíritu del rock tiene mucho que ver con eso. El post original está aquí: http://popular1.com/rachelarieff/2010/05/vaya-con-dio/

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Discografía básica recomendada:

Con Rainbow
Ritchie Blackmore's Rainbow (1975)
Rising (1976)
Long Live Rock 'n' Roll (1978)

Con Black Sabbath
Heaven and Hell (1980)
Mob Rules (1981)
Live Evil (1982)

Con Dio
Holy Diver (1983)
The Last in Line (1984)
Sacred Heart (1985)

Con Heaven and Hell
The Devil You Know (2009)

A POSTCARD FROM HANOI

Si señor, voy a empezar una serie de entradas sobre grupos a los que admiro por encima del bien y del mal. Hablemos de Hanoi Rocks. La primera vez que compré un disco de Hanoi Rocks, lo hice el primer año que estuve en Madrid, a principios/mediados de los 90, en una desaparecida tienda de discos de segunda mano de la calle Montera, casi en la esquina con Gran Vía, y que ocupaba toda una planta. Benditas tiendas de discos de segunda mano de Madrid, ya casi todas desaparecidas, y cuánto placer me dieron en su día. En fin, el disco en cuestión fue este:

Me compré "Back to mistery city" tras una serie de artículos en Popular1 en las que se comentaban las anécdotas relativas a la banda: Razzle haciendo el saludo nazi cuando tocaron en Israel, los días en los que se ocultaban en un local del metro para ensayar, cómo la banda trató de alcanzar el estrellato absoluto pero nunca lo logró, su imagen y actitud a medio camino entre Nydolls, Cramps, Bowie, Stones o Iggy Pop, o el enorme glamour de putas barriobajeras que desprendían en algunas fotos, en fin: decadencia, talento, glamour, perdedores, androginia, irreverencia, un cóctel realmente muy atractivo para un chaval que estaba ávido de descubrir nuevas bandas.

Pues bien, me llevé el disco a casa, y me dejó anonadado, su música no dejaba para nada atrás a su imagen, melodías perfectas, guitarras brillantes e incisivas, una voz enormemente carismática, y una personallísima mezcla de Rock clásico con Hard Rock y Punk; y que canciones: "Malibu beach nightmare", vaya manera de abrir un disco; "Ice Cream summer" "Beating gets faster "Until i get you"...pfff.

Resultado: me fui comprando el resto de sus discos, "Bangkok shocks..."(un álbum absolutamente brillante, lleno de temas cargados de urgencia y espontaneidad, pero también de creatividad y complejidad, y grabado cuando Mike y Andy tenían 18 añitos) fue el siguiente, "Oriental beat", "All those wasted years", cada uno me descubría nuevos clásicos de la banda. Porque, Hanoi son un clásico indiscutible; en esa época si le hablabas a alguien de esta banda sonaba como si hablases en chino. Eran un producto de culto, con una base de fans fidelísima, pero la mayoría de la gente (incluso consumidores haabituales de rock) no los conocían. Inexplicablemente, Hanoi jamás alcanzaron un éxito comercial masivo (quizás por ser finlandeses y no americanos), pero cada uno de sus discos contiene una retahíla de clásicos que puede competir e incluso superar a muchas bandas establecidas como clásicos del género.

Cuantas veces habré imaginado un concierto suyo en mi cuarto, mientras ponía sus discos. Era una de las bandas que más ansias tenía de ver en directo, ponía "Mistery City" a toda hostia, y me imaginaba como sería uno de sus conciertos. Cosa imposible, porque Hanoi estaban separados desde la muerte de Razzle, en un accidente de tráfico, y los dos líderes, el gran Mike Monroe (una de las personas a las que más admiro en el show business), y Andy McCoy ni siquiera se hablaban. Ah, pero nada es imposible; sucedió, y sucedió así:

Hanoi se reformaron entrando los 2000, con Andy McCoy y Mike Monroe al frente, un poco gracias a la influencia que tuvieron en muchos grupos de éxito que los citaban continuamente. En concreto el auge de Guns N' Roses durante los 90, llevó a que Uzi Suicide, la casa creada por los propios Guns, adquiriese y reeditase en cd todo el catálogo de Hanoi, una banda que influenció a los Guns sobre todo en cuanto a estética y actitud, y por extensión a la mayor parte de la escena rockera angelina de la época; aunque el retorno contó con un line-up que no incluía a Nasty Suicide y Sammi Yaffa, dos miembros muy queridos por los fans, y con una gran presencia escénica además, y por supuesto tampoco al batería Razzle, fallecido. Pero no le íbamos a poner pegas, Hanoi era la criatura de Mike y Andy, y teníamos la oportunidad de escuchar esos temás míticos tocados por sus creadores. En 2002 sacaron "Twelve Shots on the rocks":

El disco contenía grandes canciones. Sonaba un poco más Hard rockero que sus trabajos clásicos y se notaba que Monroe llevaba la batuta del tema, llevando la música a su terreno. Hey, pero había grandes canciones ahí; este "People like me" es puro Hanoi: "Yeah, one once might've had a hit/ But that's yesterday's news, now no one gives a shit/ In the void of my depression time/I fought my way back to a better life" "But i'm So jaded, dreams faded/ It´s harder than you think/ Love-hated, frustrated, i´m the missing link/ -Radio and MTV-, you need people like me! ("Sí, quizá una vez tuve un éxito/pero eso es cosa del pasado/ahora a nadie le importa una mierda./En el vacío de mi depresión/luché para abrirme camino de vuelta a una vida mejor./Pero estoy tan agotado/mis sueños desvanecidos/es más difícil de lo que crees./Odiado por el amor, frustrado/ soy el eslabón perdido./—Radio y MTV—/necesitáis a gente como yo!") ".Yeaaah toda una declaración de principios, Hanoi estaban de vuelta. Evidentemente me fui a verlos en cuanto recalaron por España, y disfruté como un enano, me quedé afónico de vociferar los temas, la ropa pegada al cuerpo del sudor y una sonrisa de imbécil de oreja a oreja. Como anécdota, comentaré que cuando salí del concierto me quedé un rato dando vueltas por allí (Sala Macumba, Madrid, en Chamartín), y viendo como recogían el equipo, y entonces ví a Mike Monroe y a Andy saliendo por la puerta de atrás, con sus ropas de escenario todavía (sombreros de pirata, pantalones plateados, etc). Mi mitomanía no me lleva a sentir una veneración de encefalograma plano como la de algunos fans, pero lo cierto es que hablamos de dos de los compositores de rock que más admiro, y en cuanto a Monroe, me parece una de las personas más carismáticas, íntegras y reales que hay vivas en el negocio. En una palabra, dos de las últimas verdaderas estrellas de rock que quedan en la tierra, ahí es nada. La verdad es que me quedé alelado, y pense en decirles algo, como lo feliz que me había hecho el concierto, o algunoa otra cosa como pedir un autógrafo (tampoco llevaba nada para pedirlo, y mejor porque seguro lo hubiera perdido, y no es lo mismo perder un autógrafo de Santiago Segura que uno de Michael Monroe). Eso, unido a la fama de Andy Mc Coy como persona desagradable o de salidas imprevisibles con los fans, me hizo, por temor a destruir el mito, quedarme en mi sitio, sólo observando. Observando como dos de las últimas estrellas de rock vivas se iban de Madrid.

Ahora Hanoi se han vuelto a separar, dejando tras de sí un maravilloso sabor de boca de su "comeback", y despues de dar una serie de conciertos de despedida en uno de los clubs que los vió nacer, el club Tavastia de Helsinki. Muchos fans españoles se desplazaron a Helsinki para despedir por la puerta grande a una de las bandas de Rock and roll definitivas, y que tantas alegrías nos dieron.
Acabo el post con este maravilloso tema que sacaron Suicide Twins, o lo que es lo mismo la mitad de Hanoi Rocks, en los 80, en su disco acústico "Silver missiles and nightingales":

La Biblia Negra o el retorno de los señores de la noche

Todavía no toco el suelo después de escuchar cuatro o cinco veces "The devil you know", el pedazo de disco que acaba de publicar Heaven & Hell, o lo que es lo mismo, los Black Sabbath de Dio con otro nombre.

Haciendo un pequeña retrospectiva, tenemos que en 1979, Ozzy Osbourne fue expulsado de Sabbath, en medio de una espiral de decadencia etílica y estupefaciente del "Madman". De esa espiral autodestructiva lo sacaría la que luego se convertiría en su mujer, Sharon Osbourne. Ozzy conoce en una prueba de sonido al mítico guitarrista Rhandy Rhoads y el resto es historia: grabaría con el una de las obras maestras del rock, "Blizzard of Ozz", mientras Sabbath reclutarían a Ronnie James Dio, un cantante, a la vez que Ozzy, muy personal pero mucho más técnico, y con el modernizarían su sonido dejando pasmado al personal con otra obra maestra que mira de tu a tú a cualquier disco de la era Ozzy, el impresionante "Heaven & Hell". Con el curioso resultado que ese mismo año 1980, Ozzy por un lado y Sabbath por otro, coincidirían publicando dos de los mejores discos de su carrera, y de la historia del rock, "Blizzard of Ozz" y "Heaven & Hell". Ozzy continuaría exitosamente con su carrera a lo largo de los 80, mientras Sabbath publican otro discazo en 1981, "The mob rules" con Dio, prácticamente el que sería su último gran disco de estudio (está el gran "Seventh star" en el 86, pero es más un disco en solitario de Iommi) , porque después se debatirían entre cantantes algo mediocres y discos que no estaban a la altura de su leyenda; un regreso con Dio daría como resultado otro album menor "Dehumanizer" en el 92, y en 1997, la reunión de los Sabbath originales, con Ozzy al frente, los haría saltar otra vez al primer plano de actualidad. Un disco en directo "Reunion", y la lógica satisfacción de los fans, hizo que la reunión mereciera la pena, pero con claros tintes nostálgicos, y con un Ozzy que ya no está en la mejor forma. Los Sabbath de Ozzy no parece que fueran capaces de grabar ahora mismo otro albúm a la altura de sus mejores discos.

Sin embargo hete aquí que, recientemente, la formación que grabó "Mob rules" y "Heaven & Hell", se reúne, no bajo el nombre de Sabbath, sino bajo el de su mítico disco "Heaven & hell", y graban un disco que te vuela la cabeza desde la primera escucha. Un disco oscuro como el infierno, que a pesar de exhudar metal clásico por los cuatro costados, nadie podrá decir que suene desfasado ni por un momento, sino completamente atemporal, es decir que tienes la sensación de escuchar lo que YA es un clásico, desde el momento de su edición.

Y se ha notado, por cierto, el hambre que había de un disco como este, ya que pocos discos provocan la revulsión que está provocando éste en el mundo del rock: reaccciones inmediatas de fans apasionados en los foros y en los blogs, críticos "hueso" de los que no tendrían un empacho alguno en llamar mediocre a un disco cuando lo es, rindiéndose a los pies del álbum desde su primera escucha, el disco salta directamente al número 8 de las listas de ventas de EEUU, disco del mes en las revistas especializadas... (Y hay que tener en cuenta, que en principio, esta banda, que hace la friolera de más de 20 años que no publican un disco de estudio que se pueda calificar como "muy bueno", partía de una predisposición negativa del público y la crítica: nadie esperaba un gran disco de ellos, sino algo decente pero mediocre, como de leyendas venidas a menos). Pues de eso, resulta que naranjas de la china. Hay una frase que destaco de la crítica de Popular1, y que define al disco: "está a la altura de la leyenda"; y si la leyenda se llama Black Sabbath, ya sabemos de que clase de álbum estamos hablando. Desde la primera canción, el tempo pesado de la guitarra de Iommi nos hunde por todas las gamas de la oscuridad, y un Dio que parece en estado de gracia nos vuela la cabeza con esa voz privilegiada que se antoja producto de un verdadero pacto diabólico. Siempre me ha soprendido ver como este hombre saca tamaño vozarrón de ese diminuto cuerpo sin el menor esfuerzo, la manera en que modula su voz, su profundidad, potencia y sensibilidad. Y un dato es un dato: los años no han hecho ni la sombra de una mella en esa garganta tocada por las fuerzas de la oscuridad. "Bible black", es el impresionante primer single, que empieza en clave de balada para acabar hundiéndonos en las profundidades del abismo. "Let me go I've seen a vision/But the line has left me blind/Take me back, I must have the Bible Black"

Se trata de un disco que me llega en un momento especialmente propicio, cuando paso por una obsesión por el cine de terror, y lo poco que leo, por lo limitado de mi tiempo libre ultimamente, en la cama antes de dormir, vienen siendo pequeños fragmentos de "El paraiso perdido" de Milton y "Los otros mitos de Cthulhu", de Lovecraft, unas lecturas que no podrían tener mejor banda sonora que un disco de Sabbath como este. Y precisamente la majestuosa portada del álbum (que desde el día de hoy es el fondo de escritorio de uno de mis ordenadores) es 100% Lovecraft, claramente inspirada en su mundo, y podría bien ser la portada de una de sus obras.

Aunque confieso, me lo he bajado, porque despues de leer las críticas no podía esperar más para escucharlo, tengo claro que lo compraré; es el tipo de disco que deseas comprar, además de que deseas escucharlo en a mejor calidad de sonido posible; me encantaría tener esa portada en una bonita edición de lujo de vinilo de 180 grs.

Este disco, que por cierto no hará la delicia de ningún "alternative kid" fanático de Yolatengo, (no esperéis encontrar aquí otra cosa más que monolítico Metal oscuro), es también una patada en la boca para los que piensan que no se puede hacer buen rock a cierta edad, a mi me despierta una enorme admiración ver como estos señores se plantan y dicen, "aún somos Tony Iommi, Ronnie James Dio y Geezler Buttler, y además os lo podemos demostrar".

Olvidemos "Dehumanizer". Esta es la tercera parte de una trilogía perfecta: "Heaven & hell", "The mob rules" y "The devil you know". Y lo que es increíble y todavía me cuesta asimilar, es que esa trilogía se complete nada menos que 28 años después y de esta forma. Y mientras, da comienzo la gira mundial, con un repertorio que tira de espaldas, y se le hace a uno la boca agua de leerlo.

Como mucha gente sabe, mis gustos se inclinan al rock genérico, nunca he sido un metalhead, pero tampoco le he hecho ascos al buen Metal, que para mí es sólo un estilo de hacer rock. Y esto, amigos míos, es Metal etiqueta negra, con clase, estilo, impactante, y en una palabra, que aún estoy rozando el cielo con el disco...o espera....déjame mirar otra vez...quizás es el infierno...

Mereció la pena

Hace un par de semanas que falleció una de las leyendas vivas del rock y de la música popular de este siglo: Ron Asheton, el mítico guitarrista de los Stooges, uno de los responsables de esas tres obras maestras llamadas "The Stooges" "Funhouse" y "Raw Power", y creador de esa muralla sónica que sacudió las mentes y los cuerpos de los que anonadados escucharon su sonido en 1967, 10 años por delante de su época.

Y lo único en que puedo pensar, es que nada menos que 40 años después de su formación, los Fuckin' Stooges se liaron la manta a la cabeza, y en lugar de estar descansando su edad en su casita y viviendo de royalties, nos regalaron una reunión, y medio planeta, incluído yo, tuvo el privilegio de poder presenciar esto:

Estos tíos se reunieron, patearon el culo de medio mundo, y yo me quedo en la mente con el recuerdo imborrable de haber visto a The Stooges, una de las bandas míticas del rock, tocando en Santiago, y el recuerdo de un público que estaba observando aquel festival impasible y de brazos cruzados, hasta que aparecieron The Stooges en escena. Y aquello se transformó en un campo de batalla. Que coño. Era uno de los grandes, se fue pateando culos y por todo lo alto.
Vimos a los Fuckin' Stooges pateándole el culo al Siglo XXI. Mereció la pena. Joder, vaya si la mereció.

Un gran descrubrimiento: Black Mountain

Pues sí, este "In the future" es uno de los discos que más me han impactado últimamente, me parece uno de los mejores discos del 2008, o sencillamente el mejor, y sin duda el grupo es la nueva banda que he descubierto que más me ha llenado.



El disco es toda una amalgama de Rock Psicodélico, con aires retros pero a la vez un sonido rabiosamente actualizado y moderno. No es stoner, pero tiene influencias. Blues, pop psicodélico, toda una mezcla de estilos que se convierte en un disco de esos en los que te puedes perder escuchándolo, un disco, y hace mucho que no decía eso de un lanzamiento nuevo, perfecto, donde no sobra ni una maldita canción.

Lo ideal para disfutar "In the future", es ponerse unos cascos, y escuchar el disco perdiéndote entre los surcos, dejándote transportar por la sensación de irrealidad que transmite, saborear cada riff y cada línea vocal, (cuentan con dos vocalistas, una de ellas una maravillosa cantante femenina), a poder ser mientras contemplas esa preciosa y enigmática portada, una especie de cubo, al estilo del de Rubrick, excavado en un extraño paisaje semidesértico, que me trae a la mente a las clásicas portadas de Hypgnosis, la empresa de diseño que creó las perturbadoras portadas de algunos discos de Pink Floyd (Wish you were here) Zeppelin (Presence), Black Sabbath (Technical Ecstasy).

En resumen, que el grupo merece mucho la pena, y este disco en concreto, que ya me he comprado, especialmente. La banda es canadiense, y tiene dos Lp's y tres Ep's; poseo su primer Lp (titulado con el nombre de la banda), y el Ep "Drugganaut", del cual también me fascina la canción del mismo título.

Si os lo comprais en lugar de o además de bajarlo, lo disfrutareis más. El álbum lo merece y mucho.

Stiv Bators: La leyenda del chico muerto

Russian Roulette, Un tema que me estremece, me pone la piel de gallina cada vez que lo escucho...
Pues sí, tras largos meses de pereza bloquera, voy a escribir una entradilla. Y lo voy a hacer sobre un mito de la música moderna, que no goza de todo el reconocimiento que debiera. El nombre de Stiv Bators despierta una gran admiración entre los círculos de aficionados a la música, como el puntal que es de varios subgéneros del rock. Sin embargo no goza de la misma fama entre públicos más amplios que digamos, un Iggy Pop, o, en un estilo diferente, una Janis Joplin.

Sin embargo, hablar de Stiv Bators, es hablar de un pionero del Punk, más tarde del género siniestro, y luego del Power-Pop. En primer lugar, los dos discos de los Dead Boys fueron una de las chispas que encendió el punk norteamericano. Más tarde, con los Lords of the new church, banda extrañamente semi-olvidada, fueron uno de los puntales del género gótico o siniestro, y finalmente sus discos más tardíos en solitario, son considerados como algunos de los primeros álbumes de Power-Pop como tal; en esta época Bators jugó con las melodías estilo años 50, la música que había escuchado en su juventud.

Bators nunca tuvo una gran voz en el sentido más estricto del término, y sin embargo, me parece uno de los grandes cantantes del rock, por su asombrosa expresividad y habilidad para transmitir sus sentimientos con inmediatez y crudeza; la voz de Bators pasa de la ternura a la frustración en un momento; suciedad, fascinación, misterio, desesperación....y como letrista, va encadenando unas imágenes que se graban a fuego en la imaginación...

Cuelgo en el encabezado del post una de mis canciones favoritas de los Lords of the new church; "Russian roulette", un clásico absoluto, con esa melodía hipnótica, y esa letra... "I'm on the Helicopter ride trough Vietnam, I´m the leicester square kid, i'm superman (...) I gotta lust for glory and a tape machine. I'm living out Frank Coppola's dreams. Outta my mind I'm feelin' mean. I'm Nuremberg Stepper blowin' wets away. I gotta headful of Hendrix, I'm feelin'OK. I'm a late night thriller, I'm miss La Ray. Outta my mindcan I come to play? Hey, hey, hey, we're in the movie, I feel up and I feel groovy, Let's go out and get some of that, Gimme gimme gimme some Russian Roulette."

Puedo imaginar a Stiv saliendo del cine de ver "Apocalypse now", cargado de excitación y escribir acto seguido esos versos. La película obviamente es citada indirectamente en la canción "Helicopter ride through Vietnam" "I´m living out Frank Coppola's dreams"...; y adoro la frase "Hey hey hey, where in the movie, i feel up, and i feel groovy". Aunque es sólo una suposición mía, podría ser uno de esos casos en los que una película inspira una canción (uno de los ejemplos más conocidos es "2001, una odisea en el espacio", y el tema de Bowie "Space oddity", escrito tras salir de ver el film). Poseo una copia en vinilo de este maravilloso disco de los Lords, en el que la voz de Stiv es como una cuchilla cortante, desgranando historias apocalíticas acerca de la decadencia, el miedo nuclear, la guerra fría, los videojuegos...ya el disco inicia con unas frases demoledoras "Ahora que todos los héroes han muerto, que todos los sacerdotes y los políticos han mentido...los actores, despues de todo, sólo estaban actuando...".

Otro de los vídeos que dejo es la versión de Nouvelle Vague del maravilloso tema de los Lords "Dance with me", una canción por la que cada vez siento más fascinación...vaya letra..."Let's dance little stranger/Show me secret sins/Love can be like bondage/Seduce me once again./Won't you dance with me/In my world of fantasy?". Bah, hay tanto misterio y sensualidad en esta canción...la versión de Nouvelle Vague le da una nueva dimensión al tema, pero tampoco desmerezco la versión de Stiv.



Podría también hablar de la toda la leyenda de Bators conviviendo en el mismo piso con Johnny Thunders y Mike Monroe (Hanoi rocks), la auténtica créme de la créme del romanticismo rocanrolero más sucio y callejero. Pero eso es harina de otro costal, y he preferido centrarme en lo musical, antes que relatar las típicas anécdotas. Sin embargo, lo que si me sigue pareciendo digno de mención y conmovedor es la manera en que alguien como Mike Monroe, para mí es uno de los pocos auténticos mitos vivientes del rock, por no decir el rock and roll en persona, y por quien siento una desmesurada admiración, por la manera en que ha llevado una carrera impecable, y por su valor y coherencia como artista, sigue recordando la obra de Bators, hasta el punto de que prácticamente no hay entrevista en la que lo deje de mencionar, o momento que no aproveche para alabar su música como una de sus mayores influencias.

Y cierro con unas frases de un tema de los Dead Boys que recoje como ninguno el espíritu destructivo y nihilista del Punk. "Aint it fun", es un tema en el que cada susurro de Bators es como el filo afilado de una navaja...

"No es gracioso/cuando tus amigos desprecian en lo que te has convertido/no es gracioso cuando le dices que ella sólo es una mierda/no es gracioso, cuando ella rompe y te deja sólo/no es gracioso, cuando has destrozado cualquier cosa que has empezado/no es gracioso cuando sabes que vas a morir joven/que gracioso/(...)atravieso el cristal con mi puño/ni siquiera lo sentí/ocurrió tan rápido"...

La vida de Stiv acabó de una forma absurda, tras atropellarlo un coche en una calle de París, en 1990.





****************************Discografía selecta ***********************

-Con The Dead Boys

Young, Loud and Snotty (1977)
We Have Come for Your Children (1978)
Night of the Living Dead Boys (directo) (1981)

-Con Lords of the New Church

The Lords of the New Church (1982)
Is Nothing Sacred? (1983)
The Method to Our Madness (1984)
Scene of the Crime (directo)(1988)
Killer Lords (recopilatorio) (1985)
The Lord's Prayer I (rarezas) (2002)
The Lord's Prayer II (rarezas) (2003)

-En solitario

Disconnected (1980)
The Lord and the New Creatures (1981)
L.A. L.A. (L.A. Confidential,2004)(1994)
The Last Race (1996)

Bob Dylan, Vigo, 27 de Junio, Pabellón de As Traviesas

Este es un post sin palabras :D

Bueno, sí, tres: ¿quién se viene?

El Rock a los treintayalgo....

Que grandes son Tesla!

"How i loved all those crazy litle things..."....pufff, me encanta esta canción, me supera, me desborda...

Tesla es un grupo que surgió en la vorágine del Hard rock 80's, aunque se diferenciaban de muchos de esos grupos en tener un fuerte componente de rock añejo y clásico, y una falta absoluta de Glamour. Nada de maquillaje y de ropas de colorines; cuatro tipos feos en vaqueros, pero tocando una música emocionante y cargada de "feeling". Su mítico álbum "Five Man Acoustical Jam" (al cual pertenece la grabación anterior), fue el auténtico precursor y detonante de toda esa avalancha de "Unpluggeds" que vino después; un disco el que demostraron como se puede enardecer a una audiencia y ofrecer un concierto cargado de intensidad sin necesidad de guitarras eléctricas, grandes amplificadores o pedales de efectos. El vocalista dejándose la piel en cada estrofa, el público entregándose coreando cada uno de los estribillos de unas canciones, que una tras otra, suenan a clásicos atemporales; "Love song" "Paradise" "What you give", la versión de "We can work it out" de los Beatles....una actuación que ha pasado a la historia. Tesla es una banda que se merece un enorme reconocimiento.

Y este tema irresistible;

"And the music makes her feel so hot"..."Don't bring her down, she's a lot like you"....

Bah, que puedo decir. Adoro esta canción... Y el hecho es que voy a tener la oportunidad de verlos, aquí: http://www.kobetasonik.com/ ...es un festival bastante jevarro, y no me interesan nada Helloween, Gamma Ray, y ese tipo de grupos épicos. Pero están Tesla, están Judas Priest (grupo con un repertorio repleto hasta arriba de clásicos)....y...además.....Por segunda vez, tengo la oportunidad de ver a "la banda más caliente del mundo"!. No es la misma excitación que la primera vez (la inolvidable gira de reunión de la formación original, con maquillaje y el show de los 70's, el sueño hecho realidad de cualquier fan de Kiss). Sí, lo sé, algunos pensais que son cuatro fantoches disfrazados, y que somos unos inmaduros, blablabla...pero ¿alguno de los que piensan de esa manera se ha parado a repasar el repertorio de clasicazos, de temas im-pre-sio-nan-tes que ha grabado esta banda?. Además, por alguna razón, siempre sentí una gran admiración por la composición. Admiro la composición por encima de la interpretación, y Kiss, son, además de un gran grupo de directo, por encima de todo, compositores inmensos, los Beatles del Hard Rock. Para empezar, este tema, Detroit Rock City, es una de los temas de rock más redondos y excitantes que hayas escuchado nunca, el tema perfecto para que caiga el telón...y paff!. Ese crescendo en la intro, esa melodía electrizante, la voz negroide de Stanley, los versos "I feel uptight on a saturday Night" " I feel so good, Im so alive, I hear my song playin on the radio", la parte central, en donde la guitarra dibuja esa sencilla e inolvidable linea melódica que se te clava en el cerebro para siempre, y que de repente dobla la segunda guitarra para entrelazarse con el riff...(vaya, justo me acabo de dar cuenta de que cortan esa parte en este video...)

El otro día tuve precisamente una conversación con uno de mis amigos que ha atravesado un proceso de "madurez" que incluyó, entre otras cosas, concienciación política y abandono de músicas "inmaduras" en búsqueda de sonidos mas "maduros y profundos" (que, para mi gusto incluyen cosas realmente aburridas (¿Radiohead? se oyen bostezos...)). En fin , cada uno tiene sus opciones, desde luego (y cabe decir que yo adoro a muchas de esas bandas, que no sólo de hardrocksetenteroyochentero vive el hombre). Pero yo creo que nunca pasaré por ese proceso que me llevará a despreciar canciones tan excitantes como "Detroit Rock City" "Heartbreak hotel" "Welcome to the jungle" o whatever...

You gotta lose your mind......... in detroit rock city!

Más nostalgia 90's: Probablemente, mi disco favorito de la década.

Y mira que con tanta calidad que hubo en esta década, resulta difícil elegir. Pero es imposible resistirse a un disco tan hermoso como el "Soup" de Blind Melon. Me encandiló desde el momento en que salió, y desde entonces lo considero una de mis posesiones musicales más preciadas. Un disco muy completo desde el primer tema (la maravillosa "Galaxie"), personal, unos arreglos increíbles, que conduce al oyente a través de melodías psicodélicas, melancolía, alegría desenfadada e infantil, introspección...y la voz de Shannon, una de esas voces privilegiadas, de esas capaces de encerrar un poso de melancolía en una composición alegre, y un matiz de alegría en un tema melancólico: una voz con un registro que conecta directamente con lo más hondo del oyente, al servicio de unas composiciones personales y rompedoras. Uno de los discos que siguen siendo recordados entre los aficionados como uno de los hitos de los 90: este grupo era algo muy, muy especial. Pasé un rato buscando y viendo sus videos en internet, y algunos los ví con un nudo en la garganta. Pasarán años antes de que me vuelva a encontrar una banda como esta. Uno de los grandes. Este tema es uno de mis favoritos del disco. Es uno de los temas más melancólicos del grupo;

Aunque también tenían otros tan temas tan "Naive", tan aparentemente intrascendentes como "No Rain":

"Todo lo que puedo decir,
es que mi vida es bastante sencilla,
me gusta ver como los charcos
se llenan de agua"

Otros, como la maravillosa "I Wonder" encerraban letras tan hermosas como esta;

"Hey, me gustaría deslizarme,
hacia un lugar que nadie conociera,
en un estado mental que pudiera llamar mío,
que solo yo pudiera poseer
donde pudiera tararear una melodía
siempre que quisiera,
y no hubiera nada como el tiempo,
donde no sintiera dolor,
calmado y sano,
vaya sitio para encontrar"

Tantas canciones de este grupo rozan la perfección...yo tengo clavada entre ceja y ceja la maravillosa y extraña "Toes across the floor":

Su disco póstumo "Nico", encerraba una de sus canciones más insoportablemente hermosas; "Soul One";

Y me lleva tiempo escribir este post, porque me pierdo viendo videos y más videos de Blind Melon en You Tube...sus apariciones en directo en las que desrendían toda esa frescura y magia que tienen sus grabaciones, los videos de estudio, las apariciones actuales en las que aparece la hija de Shannon, Nico, cantando esos temas, apenas logrando elevar su voz por encima de un público que se desgañita a pleno pulmón cantando "No rain" o "Change". Cada vez que las vuelvo a escuchar, me parecen mejores, es absolutamente increíble la calidad, profundidad y creatividad de esta banda, lo natural, fresca y emotiva que era su música. Son tantas que voy a poner su himno por excelencia, "Change";

"But as i know we can't stay here forever, so i wanna write my words on the face of today...and then they'll paint them!!" Yeaaahhhh.

Dos grandes temas de los 90 y algo de pereza.

Como estos días, a pesar de que tengo unos cuantos temas en mente sobre los que escribir, tengo también un magnífico ataque de pereza, voy a aprovechar que he aprendido a colgar youtubes para colgar dos de mis temas favoritos de los años 90; uno es este:



El primer recuerdo que me trae, tiene que ver con "La vía láctea", un mítico pub de Madrid al que solía ir; en este local la pinchaban muy a menudo, casi siempre a un volumen atronador. Me parece un tema estremecedor, que no ha perdido nada con el tiempo, y que me trae recuerdos de una de las mejores etapas de la música, y de mi vida: los años 90. "Disarm" es un auténtico clásico de esta época, y para muchos, la mejor canción que escribió Billy Corgan (aunque para mí, rivalice con "Cherub Rock").

La segunda es esta;



El recuerdo que me trae esta canción, es por supuesto el concierto de Barcelona; Nine Inch Nails escogían España para abrir una gira mundial, la de "The Fragile", y era la primera vez que tocaban en directo tras cuatro años; gente de todas las partes del mundo había ido a Barcelona a verlos, la expectación era máxima, y yo estaba allí, dispuesto a presenciar el directo de una de las mejores y más rompedoras bandas del mundo, en todo su apogeo. La emoción fue indescriptible, y el concierto respondió a las expectativas; inevitablemente también me trae el recuerdo de ese momento concreto de mi vida; de amigos con los que tristemente perdí el contacto, y para los que este concierto también significó mucho. "Hurt" es un tema sencillamente magistral, cargado de crudeza y ternura, una canción hermosa y desgarradora, que en directo se ve apoyada por la vividez de las desconcertantes imágenes que se ven proyectadas en la pantalla, mientras, al menos en el concierto de Barcelona, tan sólo se veía la silueta de Reznor cantando a través del telón durante el tema, al principio susurrando tan sólo, estos perturbadores versos: "I Hurt myself today/ To see if i still feel/ I Focus on the pain /The only thing that's real" ("Hoy me hice daño a mí mismo/ para ver si aún podía sentir/ me concentré en el dolor/ la única cosa que es real").

La canción se publicó en "The Downward Spiral"(1994), la obra maestra de Nine inch Nails, publicada en un momento de especial creatividad en el que el mercado se saturaba de discos inolvidables que hoy son considerados clásicos. Sería versioneado años más tarde por Johnny Cash, quien lo llevaría a su terreno en una de las entregas de sus imprescindibles y emotivos discos para American, que significarían una impactante resurrección de la carrera artística de un clásico como Cash, bajo la batuta del gran Rick Rubin. "American IV, The Man Comes Around" (2002) sería el último disco que publicaría en vida un monstruo de la música moderna, Johnny Cash.

Aquí dejo su versión, menos épica, más crepuscular, pero igualmente conmovedora, marcada por su inconfundible sello de honestidad y crudeza. Ha quedado en el recuerdo como una especie de epitafio musical, con ese vídeo en el que se van sucediendo imágenes de la vida del cantante y de su inseparable June; ambos fallecerían el año siguiente a esta grabación.

La Gran "O": La Música de Roy Orbison

"Cuando entré al estudio a grabar el disco "Born to Run", quería hacer un disco con letras como Bob Dylan, y que sonase como Phil Spector. Pero por encima de todo, quería cantar como Roy Orbison. Ahora todo el mundo sabe que nadie puede cantar como Roy Orbison". (Bruce Springsteen en el Rock n' Roll Hall of Fame)"The Big O", así es como se conocía en el negocio a una de las voces y compositores de música popular más privilegiado de este siglo; Roy Orbison. Un hombre con un talento innato para emocionar, y que poseía una voz de una belleza casi insoportable; cuando uno escucha, a menudo tiene la sensación de que su voz lo envuelve todo, adquiere una presencia arrolladora, y el mundo pasara a un segundo plano. Uno de esos pocos cantantes que son capaces de imprimir un enorme sentimiento a una melodía, dejando la impresión en el oyente de que conseguir esa belleza y dramatismo no le cuesta ningún esfuerzo, y que es algo que fluye con total sencillez y naturalidad; la voz de Roy era capaz de transformar una melodía mediocre en un clásico intemporal.

Pero afortunadamente, su repertorio no se componía de temas mediocres; Roy destacó desde el primer momento como compositor, y como creador de un nuevo estilo; sus canciones, en los años 50, presentaban estructuras distintas, innovaciones en la composición y en la producción; era un sonido particular, nunca escuchado, y que siempre estaba impregando de ese halo de romanticismo, misterio y soledad.

En 1960 se publicó el single "Only the Lonely", el primer tema que realmente mostraba todo el estremecedor potencial de Roy como intérprete, y su mayor éxito hasta el momento, alcanzando el nº 1 en los charts ingleses; anteriormente habían llegado éxitos menores con temas de Rock n' Roll al estilo de la década; desde ese momento, Roy enfocó mucho el resto de su carrera a este tipo de medios tiempos y baladas oscuras y románticas, aunque jamás dejaría el Rock n'Roll, y a lo largo de su carrera se pueden disfrutar deliciosas y divertidas piezas rockeras de sabor genuinamente 50's.

Unos meses después, le siguió la edición de "Blue Angel", para mi gusto una de las canciones más hermosas que haya escrito nunca Orbison. Entre 1960 y 1964 se editaron la mayoría de sus piezas más clásicas; "Crying", "Running Scared", la maravillosa "It's over", y algunas de sus mejores y más recordadas piezas rockeras "Dream Baby", y el himno "Working for The man".Otro gran hito fue la publicación del archifamoso "In Dreams" en 1963, uno de sus temas más recordados; una balada oscura, teñida de un extraño romanticismo que le valería años más tarde el ser incluida en el film de David Lynch "Blue Velvet".

Todas estas canciones presentaban una estructura completamente innovadora, algo que no existía hasta ese momento, y que se convirtió en un estilo.

El éxito de "In Dreams", proporcionó a Roy la oportunidad de girar por el Reino Unido con un nuevo grupo llamado "The Beatles", que por aquel entonces desataba una inusitada pasión en Inglaterra, y provocaba la indiferencia de los americanos, para quienes eran todavía unos desconocidos. Todo el tour fue Sold-out en un día; durante una sola tarde se vendieron todos los tickets para toda un gira inglesa.

Orbison fue un de los pocos rockeros de los 50 que se mantuvieron en la cresta de la ola tras la famosa crisis del género y a la invasión inglesa; al ciclo de mayor popularidad del rock, le siguió una época que vio caer en desgracia a todos los grandes; se conoce como "El día en que la música murió" al día en que Buddy Holly, Richie Valens y Big Bopper fallecieron en un accidente de avión; a continuación, llegaron la muerte por gangrena del incomensurable Gene Vincent, y el escándalo que hundió la carrera del "Killer" Jerry Lee Lewis, que vio como la conservadora América le daba la espalda tras su matrimonio con su prima de 14 años. A ello se le sumó un Elvis algo más domesticado y dulcificado tras su estancia en el servicio militar, y toda una pléyade de "nuevas estrellas" acuñadas por la industria, mucho más inofensivas que los rockers originales, pero faltas de garra y autenticidad. Unos años después la invasión inglesa, encabezada por Beatles y Stones, marcaría todo un nuevo estilo y una imparable evolución que dejaría apartados a los grandes de la anterior década, que sin embargo vivirían algún momento estelar más, como el de Elvis en 1968.

Pero nuestro hombre sería un punto y aparte en todo eso; sus innovaciones y atrevimiento compositor se podía comparar al de los primeros Beatles, que estaban de hecho muy influenciados por su música, y fue manteniendo a lo largo de los 60 un buen ritmo de ediciones que le hicieron permanecer en primera línea.

En 1964 se públicaba "Oh Pretty Woman". La canción reventó los charts, y fue inmediatamente número uno en todo país que tuviera una lista de éxitos.

1966 supuso el inicio de una decadencia personal en la vida de Roy, cuando su mujer fallece en un accidente de tráfico y sus dos hijos en un incendio dos años después. Orbison regresa a un segundo plano, y su actividad creativa se resiente.

Durante los 80's se sucedieron los homenajes a su música, y la inclusión de "In Dreams" en el film "Blue Velvet", y unos duetos con K.D. Lang que le valieron un Grammy, lo devuelve a la actualidad. En 1986 es introducido al Rock n' Roll hall of fame por Bruce Springsteen, quien pronunció la frase que ya pasaría a la historia;

"Cuando entré al estudio a grabar el disco "Born to Run", quería hacer un disco con letras como Bob Dylan, y que sonase como Phil Spector. Pero por encima de todo, quería cantar como Roy Orbison. Ahora todo el mundo sabe que nadie puede cantar como Roy Orbison".

Todo esto significó el inicio de un rejuvenecimiento en la carrera de nuestro hombre; se grabó un concierto especial para la televisión que contó con la participación de Bruce Springsteen, Tom Petty, Elvis Costello, Tom Waits, K.D Lang, toda una pléyade de estrellas que se mantuvieron en un respetuoso segundo plano, haciendo coros para "La gran O". El concierto contó con una emocionante edición en CD y Video, bajo el nombre de "A Black & White Night: Roy Orbison and Friends".

La actividad continuó con la concesión de otro Grammy por otro dueto con K.D. Lang en el tema "Crying" y la formación de los Travelling Wilburys, un supergrupo formada por una "Pandilla de amigos", que incluía nada menos que a Bob Dylan, Tom Petty, George Harrison, Jeff Lynne y el propio Roy. El single "Handle with care" y el LP correspondiente disfrutaron un gran éxito, y sorprendentemente los discos de los Wilburys son grandes discos desde el punto de vista musical, repletos de hermosas y sencillas canciones; ya que los supergrupos repletos de estrellones no suelen funcionar musicalmente, debido al más que presumible choque de egos.

1989 contemplaría el comeback definitivo de "La gran O", un nuevo disco, "Mystery Girl", estaba a punto de salir al mercado; y el nuevo single "You've Got it" fue recibido con una gran expectación; desgraciadamente, el 6 de diciembre, un infarto se llevaría a nuestro hombre, poco después de volver a copar las listas con un nuevo tema en los charts americanos e ingleses. "Mystery Girl" fue el LP más vendido de su carrera, un disco que roza la perfección en cada tema, y que incluye uno de los temas más hermosos que hayan escrito nunca U2, una estremecedora melodía que Bono escribió pensando en Roy y que le cedió para completar el nuevo álbum, convirtiéndose en una de las joyas del disco; "She's a mystery to me".

Los años posteriores ocuparon a su esposa Barbara en reconstruir el siguiente disco que Roy había dejado inacabado; este álbum póstumo contó con un laborioso y desinteresado trabajo de músicos como Springsteen y Petty en la reconstrucción y acomodación de la música a las bases, líneas vocales y temas inacabados que Orbison había dejado. El resultado es "King of Hearts", uno de sus mejores discos, publicado en 1992. Es un trabajo que rebosa buen gusto, autenticidad y emotividad, con momentos sobrecogedores como "Love in Time" o "We'll Take the night", y un precioso Rock n'Roll que se convertiría en otro clásico de Roy "I drove all night".

Llegados a este punto, me gustaría rescatar un párrafo de las notas interiores del álbum, escritas por Bárbara Orbison: "En aquel momento de ensoñación, Don empezó a darle al play y escuché la voz de Roy salir por el altavoz cantando…"Reach out and let it touch your soul/And give in to love/Love is believing". Escuchar estas palabras provocó que sacara fuerzas para terminar el disco, era lo correcto. Estoy seguro de que nunca habría podido soñar un sueño más dulce que ver sus canciones acabadas con tanto cuidado y cariño por una comunidad de viejos y nuevos amigos. Roy se sentiría muy honrado de haber mantenido otro estudio ocupado y lleno de grandes músicos una vez más."

La música de Roy Orbison no deja de volver a sorprenderme y estremecerme cuando suena en mi equipo de música; canciones que conservan toda su frescura y su poder, que nunca cansan ni defraudan, y que brillan con una misteriosa belleza que las hace diferentes de todo lo demás.